拉斐尔笔下的圣母像

  • 时间:2021-04-23 08:56
  • 来源:未知
  • 作者:程艳红


  拉斐尔(1483—1520)是意大利文艺复兴时期著名的画家和建筑家,与达·芬奇和米开朗基罗并称意大利文艺复兴“三杰”。拉斐尔出生在意大利的乌尔宾诺城,父亲是一个宫廷画师,很小就受到父亲的影响,并跟随父亲学画。在拉斐尔11岁时,父亲突然去世,随后他来到彼鲁基亚,在安布利亚派著名画家培鲁基诺的画室学艺,这位老师温和、宁静的画风,对拉斐尔的艺术创作风格产生了深远的影响。1508年,拉斐尔在友人布拉曼特的邀请下来到罗马,为梵蒂冈宫绘制了《雅典学院》、《巴尔纳斯山》和《圣典辩论》三幅巨型壁画,这三幅巨型壁画奠定了他在世界绘画艺术史上的地位。拉斐尔一生虽然很短暂(只活了37岁),但却是一个天才的艺术家,勤奋的艺术家,一生共创作了300多幅作品。由于他的绘画风格秀丽、高雅、谐和、明朗、洗练,作品被后人尊称为“古典主义艺术”创作中的“典范”。
  拉斐尔的艺术作品以塑造圣母像而久负盛名,这也许与他所处的时代有关系,拉斐尔生活的时代正是意大利文艺复兴的全盛期。文艺复兴是欧洲历史的一个伟大转折点,在经历了一千多年封建教会的统治后,人们从精神上真正开始反对、摆脱这种禁锢,人文主义者提倡人性。因此,艺术家的创作开始便把表现现实生活作为自己首选的题材,拉斐尔更是如此,他的圣母像一改往日威严和僵化的母性形象,取而代之的是撕下了宗教外衣的温柔、端庄和美丽的平民女性形象,这些美丽的平民女性形象展现着令人愉快的生活情趣,整个画面洋溢着浓浓的母性温柔,强烈地表现了他的人文主义思想。


  《圣母的婚礼》是拉斐尔的成名作,这幅作品是拉斐尔在1504年创作的。在之后的四年间,拉斐尔又陆续创作了《椅中圣母》、《草地上的圣母》、《大公爵的圣母》和《花园中的圣母》等,这些作品中的圣母像是他创造的最著名、最成功的圣母像,《花园中的圣母》公认为最佳圣母像。虽然这些绘画是宗教题材的作品,但这些画一改往日庄严、高高在上使人敬畏的圣母,取而代之的则是美丽温柔的圣母,她们的脸上都洋溢着对身边圣子无尽的关爱,以及对生活无尽的热爱。如《花园中的圣母》这幅作品中,圣母侧身而坐,照看着正在嬉戏的两个孩子(耶稣和施洗约翰)。画面线条洗练、色彩明朗,草地上的鲜花、天空中轻盈的白云透着柔和的光线,这些元素使整幅作品充满了祥和、宁静和悠远,情与景的交融洋溢着浓浓的诗意。
 

  《西斯廷圣母》是拉斐尔“圣母像”的代表作,是拉斐尔为西斯廷教堂创作的一幅大型祭坛画。整个画面色调柔和而纯净,画中的圣母怀抱圣子,从云端徐徐降下,圣母体态丰满、端庄秀丽、文静。在帷幕两侧画有一男一女,左侧帷幕旁画的是西斯克特教皇,身穿象征权力的金黄色圣袍,身体前倾,做出很恭敬的样子迎接圣母和圣子的到来。右侧画的是圣女巴巴拉,秀美、典雅,侧脸低头,虔心垂目,微露羞怯,正在做跪状的姿态,这一姿态表达了她对圣母和圣子的崇敬和恭顺,这是一个宗教传说中殉教者的形象。在画面的下方,拉斐尔又画了两个天真可爱爬着的小天使,他们睁着大眼睛好奇地望着圣母的降临,稚气童心跃然画面。从画面上每个人物所处位置可以看出《西斯廷圣母》构图的完整性和严谨性,画面空间透视处理得恰到好处。“为了使画面的云际具有深远感,画家避免了焦点透视法则,采用多视点和并列法,人物的形体互不遮掩,整幅画面是虚实相生而又流畅平稳的。”拉斐尔在《西斯廷圣母》这幅作品中,对美丽与神圣、崇高与敬仰表现得恰到好处,整幅作品展现出一种典雅、明朗、祥和的格调,使观看者能够获得一种清纯与圣洁、高雅与升华的精神享受,作品以甜美、悠然的抒情风格闻名遐迩。正如黑格尔所说:“绘画可以用外在的东西把内在的东西完全表现出来。”
  如果人们把拉斐尔的《西斯廷圣母》中的圣母像视为典范,那么,《椅中圣母》就可以看做是他圣母像的顶峰。《椅中圣母》中共设计了圣母、圣婴和约翰三个形象,画面色彩艳丽、明快,画家运用红、蓝、黄三种主色来表现圣母像。年轻美丽的圣母上衣为红色,斗篷为蓝色,这两种鲜艳的颜色与圣婴的黄色衣服构成了红、黄、蓝对比调和的三原色。从圣母头巾披肩、红色上衣和蓝色斗篷等装束,我们完全可以看出拉斐尔是深入细致地观察了当时意大利文艺复兴时期民间妇女的穿着服饰。从这些民间妇女的穿着打扮上,可以反映出文艺复兴带来了人的解放和社会的发展,使人出落得现实、高雅、浪漫。《椅中圣母》很巧妙地把圣母、圣婴和约翰这三个人物安排在一个狭小的半圆形空间中,可谓是画家对作品构图布局的精心设计,圣母和圣婴之间的亲情也得到了充分展现。如果在作品中,圣婴是坐在圣母的右腿上,则圣母的左腿就很难在画面里安排,按这个样子,就很难构图,或是构图很不合理,约翰也就有可能被挤出画面。拉斐尔巧妙地利用左腿膝盖上的衣服褶子来减弱它在画面中的视觉效果,将约翰恰到好处地安排在画面中。


  《椅中圣母》这幅画,可以看出画家对画面的色彩进行了缜密设计,色彩显得十分艳丽,而又不失协调。在基督教中,天主的圣爱一般由红色来代表,天主的真理一般由蓝色来代表,所以在基督教的绘画作品中,圣母的服饰一定为红色和蓝色。在《椅中圣母》这幅作品中,圣母穿戴着红色的上衣和蓝色斗篷,且圣母的披肩又把上衣的一部分给遮住了,所以只能看到圣母的右臂部分。作品中,圣母穿戴的斗篷从腰间覆盖下来,由于是圣母抱着圣婴,斗篷只能裸露在圣母的膝盖部分,这样,画面的中心便成了圣母的右手。而圣母的红色衣服和蓝色的斗篷与圣婴的黄色衣服构成了红、黄、蓝对比调和的三原色,画面的色彩对比得到了进一步的加强,人物形象显得更加高雅、华贵、端庄和艳丽,这很好地证明了拉斐尔在绘制此画时,经过了深入、细致的思考,绝非一时的偶然和凭空的想象。我们再从画面中圣母、圣婴和约翰亲密无间的关系来看,圣母玛利亚慈爱地抱着圣婴,低头斜视,展现出一种母性特有的亲昵与爱意。圣母的这一姿态,使观赏者在看这幅作品时,从内心对母子的亲情产生一种情不自禁的联想,对美好、幸福生活的向往,圣母形象的自然温柔美和造型美,把圣母的端庄与美丽和母性的慈爱融为一体。而这种美又不同于现实生活中母子亲情的美,它是一种高于现实生活的艺术美。艺术美“是人对现实审美认识的集中表现,是艺术家根据美的现实而创造出来的第二现实的美”。拉斐尔对艺术的这种理解和构思,即使再过几个世纪,仍然是人们最愿意欣赏的“美”。
  在一千多年封建教会的统治和令人窒息的社会气氛下,拉斐尔笔下美丽端庄的圣母像抚慰了当时众多男性画家与大众的心灵,这些美丽的女性被赋予了拯救世界的神圣使命和人文主义思想,对建立以“人”为中心的资产阶级人文主义新思想给予了肯定。同时,他又反对了中世纪封建教会鼓吹的以“神”为中心的宗教意识形态,肯定了“人”的尊严与价值。拉斐尔坚信人是“宇宙的精华,万物的灵长”,尤其是那些在现实生活中的平民女性形象,更是爱与美的化身,正是这种对爱与美的表达,体现了拉斐尔的人文主义思想。
  拉斐尔在作品中以端庄美丽的圣母像征服了全世界,画面始终洋溢着浓浓的爱意,明快的色彩和柔和的线条,及宁静优雅的节奏感。这些美丽的女性形象是现实生活中的妇女形象,也是拉斐尔心中爱与美的化身;这些圣母像既是拉斐尔着力塑造的艺术形象,也是画家与教会所鼓吹的神学权威相抗衡的产物———“艺术品”。


(责任编辑:程艳红)


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